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Il nostro scheletro, che spesso consideriamo solo come un insieme di ossa dure, è un sistema complesso e vitale per la nostra salute. Siamo tutti consapevoli che le ossa possono fratturarsi, e statisticamente, circa la metà di noi subirà una frattura nel corso della vita. Tuttavia, ci si sofferma raramente sul meraviglioso processo di guarigione che segue una frattura, un processo assai più articolato di quanto si possa pensare.
Quando un osso si rompe, non si danneggiano solo le strutture ossee; si rompono anche vasi sanguigni e fibre nervose. Questo segnale di allerta attiva un'incredibile risposta del nostro corpo, un sistema di controllo che mette in moto una reazione a catena di eventi biologici. Natalie Pang e Gurpreet Baht, in questa lezione di TED-Ed, evidenziano la presenza di infiammazione durante il processo di guarigione, un fenomeno spesso frainteso. Molti possono temere che l'infiammazione significhi un'infezione, ma in realtà è una parte fondamentale di come il corpo riporta in equilibrio le sue funzioni.

Lo skater professionista Andy Anderson ci guida in un emozionante tour attraverso la capitale francese, ma ciò che potrebbe sembrare un semplice video di skateboard si trasforma in un'ode visiva a Parigi.
La bravura di Anderson si manifesta in ogni trick, mentre esplora le strade più iconiche e i monumenti della città, ma ciò che rende il video davvero straordinario è la cinematografia di Brett Novak che offre una prospettiva nuova e affascinante di Parigi. Le architetture maestose e i panorami incantevoli ci avvolgono, trasmettendo un senso di meraviglia mentre il video scorre fluido. Anche la pioggia, che potrebbe facilmente rovinare l'atmosfera in altre circostanze, qui aggiunge un tocco di poesia, rendendo il paesaggio urbano ancora più affascinante.

L'animazione a tubo di gomma rappresenta una delle forme più iconiche e distintive della storia dell'animazione, con radici profonde che risalgono a oltre un secolo fa. Questa tecnica, sviluppata da Bill Nolan, ha dato vita a personaggi con braccia e gambe esagerate e flessibili, che permettevano di raccontare storie fantastiche attraverso movimenti fluidi e comici. Tra i primi esempi giungono personaggi come Felix the Cat, Betty Boop e Mickey Mouse, che hanno rapidamente catturato l'immaginario collettivo.

Come racconta Alla Prima, l'animazione a tubo di gomma ha visto una diffusione esponenziale nei primi decenni del XX secolo, grazie all'influenza di Nolan e al lavoro di studi come Sullivan Studio, dove il personaggio di Felix the Cat si affermava come un simbolo di questa nuova forma di intrattenimento. Negli anni '30, il mondo dell'animazione era invaso da questo stile, con studi come Fleischer, Warner Brothers, Walt Disney e molti altri che producevano versioni proprie di questa estetica unica.
Mentre l'animazione a tubo di gomma prosperava, il panorama cambiò drasticamente nel 1937 con l'uscita di Biancaneve e i sette nani, il primo lungometraggio d'animazione a raggiungere un vasto pubblico. Questo film segnò l'ingresso del realismo nella percezione pubblica, ma nonostante questo, le fondamenta gettate dall'animazione a tubo di gomma rimasero vitali per l'evoluzione del genere. La sua capacità di mescolare slapstick e fantasia ha influenzato una moltitudine di opere successive.

Le Sette meraviglie del mondo occupano un posto speciale nella nostra cultura, evocando immagini di grandezza, ingegno e bellezza. Questa importanza del numero sette, celebrato dagli antichi greci, risuona nelle loro più profonde credenze e curiosità, rivelando come la meraviglia possa essere legata a simbolismi numerici.
L'elenco classico delle sette meraviglie è composto dai Giardini Pensili di Babilonia, dalla Statua di Zeus a Olimpia, dal Tempio di Artemide a Efeso, dal Mausoleo di Alicarnasso, dal Colosso di Rodi, dal Faro di Alessandria e dalla Grande Piramide di Giza. Quest'ultima è l'unica meraviglia che possiamo ancora ammirare oggi, pur senza la copertura originale.
Il mondo, però, è ricco di meraviglie che sfuggono ai canoni di questa lista. L'analisi proposta da Gar­rett Ryan, di Told in stone, ci invita a considerare alternative affascinanti, come il labirinto egiziano di Hawara, descritto da Erodoto o il Teatro di Scauro, che con la sua capacità di 80.000 spettatori mostrava la potenza dell'ingegneria all'epoca romana. Queste strutture, anche se meno conosciute, raccontano la storia di una società che si sforzava di meravigliare sia con la grandezza sia con l'ingegno pratico.
La lista viene completata dal sistema fognario di Roma, l'altare Keraton a Delo, le mura di Babilonia, il tempio di Zeus a Cizico e naturalmente il Colosseo.

Il cinema, fin dai suoi albori, ha avuto un interesse particolare per il tema della tecnologia e delle macchine, un filone che si è evoluto nel tempo fino a dare origine a una delle sue espressioni più affascinanti: i robot. Film iconici come Metropolis, A.I. - Intelligenza artificiale, Il pianeta proibito, Star Wars, Il gigante di ferro, Terminator, Blade Runner e WALL-E hanno creato un ampio universo cinematografico incentrato sui robot, esplorando temi di identità, intelligenza artificiale e interazione umana. Tuttavia, la radice di questa narrazione si trova, ancora una volta, nel lavoro pionieristico di Georges Méliès, la cui creatività ha tracciato un sentiero per futuri cineasti.

È sorprendente scoprire che Méliès, considerato un innovatore del cinema di fantascienza, sia stato il primo a portare un robot sul grande schermo. La sua opera del 1897, Gugusse et l'Automate, recentemente ritrovata tra vecchie pellicole presso la Biblioteca del Congresso, presenta un mago e un automa in un confronto slapstick.
Nei sessant'anni che seguirono, le sue invenzioni visive sarebbero state replicate, amplificate e reinterpretate, portando alla creazione di opere maestose che avrebbero affascinato generazioni. La figura del robot, simbolo di progresso e sfida alle convenzioni, ha trovato, grazie a Méliès, il suo primo terreno di esplorazione.

Il potere di Gugusse et l'Automate risiede nella capacità di Méliès di fondere narrazione e spettacolo in un modo che era innovativo per l'epoca. I colpi del mago sull'automa, che si riduce progressivamente, sono una metafora della crescita e della trasformazione che il cinema stesso stava vivendo. Questo inizio rudimentale ha posto le basi per il curioso e complesso rapporto tra l'arte cinematografica e l'idea di robot, che si sarebbe evoluto in una forma d'arte più raffinata negli anni a venire.

L'ipnosi, un fenomeno affascinante e spesso frainteso, ha una storia che si snoda attraverso secoli di ricerca e scoperta. Il neuroscienziato cognitivo Devin Terhune, su TED-Ed, esplora grazie alle animato da Leah Putnam le origini dell'ipnosi e i meccanismi scientifici che la sorreggono. Questa lezione ci invita a scoprire come la potenza della suggestione, se utilizzata in modo appropriato, possa rivelarsi un valido strumento terapeutico per affrontare una varietà di disturbi.

L'ipnosi ha origini antiche, risalenti a pratiche di guarigione che si trovano in molte culture. Il termine moderno deriva dal greco hypnos, che significa sonno, ma l'ipnosi non deve essere confusa con il sonno profondo. I pionieri come Franz Anton Mesmer nel XVIII secolo hanno aperto la strada a questa pratica, introducendo concetti di magnetismo animale e suggestione, che hanno costituito le basi per ulteriori sviluppi nel campo.

Terhune approfondisce l'aspetto scientifico dell'ipnosi, svelando come essa possa influenzare il corpo e il cervello. Attraverso esperimenti e studi, è stato dimostrato che le suggestioni ipnotiche possono alterare le percezioni, ridurre il dolore e mitigare l'ansia. Le tecniche ipnotiche attivano particolari aree del cervello, favorendo stati di consapevolezza alterati che possono condurre a una maggiore apertura verso le suggestioni terapeutiche.

Sebbene l'ipnosi possa apparire misteriosa e magica, è radicata in principi scientifici. La comprensione di questi meccanismi non solo sfata miti e stereotipi, ma mette in luce il potenziale terapeutico dell’ipnosi. Quando usata in modo responsabile da professionisti qualificati, può offrire sollievo a chi ne ha bisogno.
Esplorare la scienza dell'ipnosi e comprendere le sue potenzialità ci aprirà a nuove possibilità nel trattamento delle malattie e nella promozione della guarigione, rivelando la straordinaria connessione tra mente e corpo.

Il film Metropolis di Fritz Lang, realizzato nel 1927, rappresenta un caposaldo della cinematografia e della fantascienza, offrendo una visione inquietante e, al tempo stesso, profetica della società futura. Ambientato nel 2026, ritrae una società stratificata, in cui una vasta e disperata classe proletaria passa le proprie giornate in lavori che sembrano privi di significato, mentre i magnati d'affari ultra-ricchi esercitano un controllo quasi totale. In questo contesto di disuguaglianza e sfruttamento, la classe dirigente si affida alla tecnologia, in particolare all'intelligenza artificiale, come soluzione ai propri problemi.

Il documentario di DW analizza il processo di creazione e l'eredità di Metropolis, sottolineando la sua immensa influenza sui film di fantascienza successivi. Pellicole come 2001: Odissea nello spazio, Star Wars e Blade Runner non nascondono il debito che hanno nei confronti della visione di Lang. Le immagini di gigantesche città, illuminate e intrise di tecnologia, e i lavoratori manipolati da un ingranaggio mastodontico, sono solo alcuni dei simboli che sono penetrati nella cultura popolare e continuano a rimanere impressi nell'immaginario collettivo.

Una figura emblematica memorabile è Rotwang, archetipo dello scientifico pazzo circondato da tubi e ingranaggi, che incarna l'ossessione della tecnologia e del controllo. Ma la vera innovazione del film risiede nella rappresentazione della donna robot, che assume le sembianze dell'eroina della classe operaia. Questa invenzione ha aperto nuove strade nel design e nella narrazione, rimanendo un punto di riferimento nell'evoluzione della rappresentazione dei robot nel cinema.

Oltre al suo apporto tecnico e visivo, Metropolis continua a risuonare anche per le sue tematiche di fondo, immediatamente riconoscibili: il conflitto, l'alienazione e la speranza di una connessione umana in un mondo dominato da macchine e da una tecnologia opprimente. Questo aspetto così attuale della trama consente anche al pubblico moderno di sospendere l'incredulità, rendendo la pellicola tutt'ora affascinante, nonostante le sue implausibilità tecnologiche. Infatti, sebbene non viviamo esattamente il 2026 che Metropolis immagina, la società attuale presenta comunque somiglianze inquietanti con quella rappresentata da Fritz Lang.

Chiunque visiti Firenze non può fare a meno di notare la cupola della Cattedrale di Santa Maria del Fiore. Questa struttura è sia un'imponente presenza nel panorama urbano sia un trionfo dell'ingegneria, dell'architettura e della religione. La storia della cupola, raccontata dagli storici dell'arte Beth Harris e Steven Zucker, nel loro video su Smarthistory, affonda le radici nel 1417 un'epoca in cui Firenze si trovava di fronte a una sfida enorme.

In quell'anno i lavori per la cattedrale erano iniziati già da oltre un secolo, ma la realizzazione della cupola rimaneva un mistero. Harris sottolinea come si fosse diffusa l'idea che al momento del bisogno i tecnici avrebbero trovato una soluzione. Questa mentalità rifletteva non solo il ritmo più rilassato della costruzione nel 1400, ma anche una sensazione di innovazione in rapida crescita.
Il compito di realizzare una cupola di tali proporzioni sembrava impossibile, soprattutto considerando che strutture simili non erano state costruite dai tempi del Pantheon nell'antichità romana. Nessuna tecnica tradizionale era in grado di supportare il peso di una cupola così grande. La salvezza arrivò inaspettatamente da Filippo Brunelleschi, un architetto e scultore con un bagaglio di esperienze limitato, ma con una profonda conoscenza proprio del Pantheon. La sua intuizione fondamentale fu quella di concepire un tamburo ottagonale da cui si ergono le vele che formano la cupola, organizzate su due calotte separate da uno spazio vuoto.

Per erigere quella che ancora oggi, con il suo diametro esterno di 54,8 metri e un'altezza di 116 metri, la più grande cupola in muratura mai costruita, Brunelleschi dovette progettare due distinte cupole: una interna, spessa, e una esterna, sottile. Questo approccio innovativo ha permesso di raggiungere l'altezza desiderata e di garantire la necessaria stabilità strutturale. La gradinata, che permette di salire alla Lanterna, rivela un motivo a spina di pesce dei mattoni, una soluzione ingegneristica che dimostra la genialità del suo progettista. Questi mattoni, in un contesto più ampio, richiamano le pietre utilizzate per costruire archi sin dai tempi antichi. L'incontro tra innovazione e tradizione. Una testimonianza di come la creatività umana possa affrontare le sfide più ardue, fondendo arte, scienza e spiritualità in un'unica straordinaria visione.

L'incisione di geroglifici scolpiti su pietra da parte degli antichi egizi rappresenta un'arte che continua a affascinare archeologi e artisti contemporanei. Nonostante la scrittura geroglifica rimase in uso come forma monumentale ed epigrafica, in seguito alla diffusione della scrittura tra gli egizi, le forme dei glifi si andarono semplificando nei due tipi di scritture derivate: lo ieratico, usato fino dall'antichità normalmente per la scrittura su papiro e il demotico, una forma stenografica e derivata di ieratico diventato di uso comune a partire dalla XXVI dinastia.

La scultrice Miriam Johnson condivide la sua esperienza col Victoria and Albert Museum rivelando che le tecniche che utilizza per scolpire la pietra sono rimaste straordinariamente invariate nel corso dei millenni. Questa continuità nelle pratiche artistiche offre uno spaccato su come le tradizioni culturali possano essere custodite e tramandate.

Johnson, nello scolpire un cartiglio per il faraone Cheope, illustra i due metodi principali di incisione dei geroglifici: il rilievo affondato e il bassorilievo.

Il rilievo affondato o rilievo scavato è ristretto in gran parte all'arte dell'antico Egitto in cui è molto comune, divenendo dopo il periodo amarniano il tipo dominante usato, in contrapposizione al bassorilievo. Era stato usato in precedenza, ma principalmente per grandi rilievi sui muri esterni, e per geroglifici e cartiglio. L'immagine è fatta intagliando la stessa scultura in rilievo in una superficie piatta. In una forma più semplice le immagini sono di solito di natura per lo più lineare, come i geroglifici, ma nella maggior parte dei casi la figura stessa è in bassorilievo, ma posta all'interno di un'area affondata sagomata intorno all'immagine, cosicché il rilievo non sale mai oltre l'originale superficie piatta. In alcuni casi le figure e gli altri elementi sono in un bassissimo rilievo che non sale alla superficie originale, ma altri rilievi sono modellati in modo più completo, con alcune aree che salgono alla superficie originale. Questo metodo minimizza il lavoro di rimozione del fondo, pur consentendo il normale modellamento del rilievo.

La tecnica ha molto successo con la forte luce solare per enfatizzare i contorni e le forme mediante l'ombra, poiché non veniva fatto alcun tentativo per ammorbidire i bordi dell'area affondata, lasciando tutt'intorno ad essa una faccia ad angolo retto con la superficie. Alcuni rilievi, specialmente i monumenti funerari con teste o busti dell'antica Roma e della successiva arte occidentale, lasciano una "cornice" al livello originario intorno al bordo del rilievo, o pongono una testa in una rientranza semisferica nel blocco. Benché essenzialmente molto simile al rilievo affondato egizio, ma con uno spazio di fondo al livello inferiore intorno alla figura, il termine non si userebbe normalmente per tali opere.

Nell'arte egizia, per l'intera composizione, si usava comunemente un rilievo continuo e molto basso. Queste immagini in bassorilievo venivano solitamente dipinte dopo l'intaglio per aiutare a definire le forme giocando sul contrasto.