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Mimmo Jodice è stato uno dei fotografi italiani più importanti e influenti; conosciuto per il suo approccio unico e poetico all'arte fotografica, ha trascorso gran parte della sua carriera esplorando e documentando la bellezza e la complessità della vita e del paesaggio italiano, con un occhio particolare per la sua Napoli.

La fotografia di Jodice, qui intervistato da Il Sole 24 Ore durante la mostra al Palazzo delle Esposizioni di Roma per i suoi 50 anni di attività, si distingue per l'uso magistrale della luce e delle ombre, creando immagini che evocano emozioni profonde e raccontano storie. Una straordinaria capacità di catturare l'essenza dei luoghi, infondendo ogni scatto di una sorta di malinconia e nostalgia. Un viaggio metafisico in uno spazio onirico.

Uno degli aspetti più affascinanti del lavoro di Jodice è il suo approccio al paesaggio. Le sue fotografie di Napoli e dei suoi dintorni rivelano una città ricca di storia e cultura, evidenziando la bellezza del patrimonio artistico e architettonico. L'identità e il passare del tempo raccontati attraverso il contrasto del bianco e nero.

Gianni Berengo Gardin è stato un maestro del bianco e nero, noto per la sua capacità di catturare l'essenza della vita quotidiana attraverso il reportage e l'indagine sociale. In quasi settant'anni di carriera, ha creato un racconto straordinario dell'Italia, documentando le trasformazioni sociali e culturali che hanno caratterizzato il paese dal dopoguerra a oggi.

Le sue fotografie sono storie che parlano di persone, luoghi e momenti significativi. I suoi ritratti sono dialoghi esclusivi che offrono un'intimità unica, dove il lavoro, la vita e la storia si intrecciano in un racconto personale e profondo. Ogni scatto di Berengo Gardin è un invito a esplorare l'aspetto visivo e le emozioni che si celano dietro le narrazioni dei volti ritratti.

In questa intervista, rilasciata al Museo MAXXI, Berengo Gardin ci restituisce un'immagine autentica della sua visione, del suo lavoro e della sua passione. La sua opera è un'importante testimonianza di un'epoca e un regalo per le future generazioni sulla potenza della fotografia come strumento di narrazione e riflessione.

Franco Fontana ha costruito la sua carriera su un approccio semplice, ma radicale per l'epoca: l'uso del colore. Mentre il mondo della fotografia negli anni '60 era dominato dalle immagini in bianco e nero, Fontana ha osato abbracciare il colore attraverso la saturazione, l'astrazione e l'emozione, trasformando i suoi paesaggi in campi visivi fatti di tensione e armonia.

Come racconta Faizal Westcott, utilizzando un teleobiettivo Fontana ha appiattito le sue composizioni in bande di colore, creando fotografie che sembrano più dipinti che immagini fotografiche, riducendo il mondo ai suoi elementi essenziali: un campo, un cielo, una strada. Questa tecnica di compressione elimina la profondità, rendendo lo spazio ambiguo. Ciò che rimane è una forma, blocchi di colore e linee geometriche che, pur avendo peso, evocano luoghi familiari.

Il lavoro di Fontana ha dimostrato che il colore non era solo per la pubblicità, ma poteva essere concettuale, poetico e serio. Una meditazione sullo spazio, la luce e la presenza che trasforma la realtà in narrazione poetica.

Lo scatto di Man Ray, Le Violon d'Ingres, ha giocato un ruolo fondamentale nel ridefinire il concetto di fotografia, trasformandola da un medium documentaristico a uno strumento di espressione creativa. In un'epoca in cui la fotografia era spesso considerata un semplice mezzo per registrare la realtà, Man Ray ha saputo sfidare queste convenzioni offrendo nuove prospettive artistiche.

Nella sua celebre fotografia, la figura femminile è rappresentata con le curve del corpo che richiamano le forme di un violino.
Great Art Explained ripercorre la storia di questa immagine, che fu pubblicata per la prima volta sulla rivista surrealista Littérature nel giugno 1924 che ritrae la modella Kiki de Montparnasse. La fotografia fu successivamente decorata dall'artista tramite l'aggiunta di due effe in grafite e inchiostro di china sulla schiena della modella a simboleggiare i fori di risonanza presenti sulla tavola armonica.
Questo approccio alle arti visive ha ampliato le possibilità espressive della fotografia e contribuito a stabilire la disciplina come una forma d'arte a sé stante, degna di rispetto e considerazione e capace di influenzare movimenti artistici successivi.

L'avvento delle fotocamere digitali ha cambiato la fotografia per tutti noi, eliminando il costo della pellicola, il costo dello sviluppo e l'attesa per scoprire se la foto scattata fosse di buona qualità, infilando una macchina fotografica in ogni tasca.
Vox ci racconta un'altra rivoluzione che democratizzò la fotografia, l'invenzione della foto istantanea.

Sul finire del 1800, la Eastman Kodak brevettò una macchina fotografica punta e scatta, la pellicola e iniziò il modello di business che rese la fotografia accessibile alle masse per la prima volta.
Il XX secolo è stato dominato da un'azienda che non solo produceva le fotocamere, ma anche la pellicola per tali fotocamere e lo sviluppo delle foto.
Kodak prese il controllo dell'industria fotografica rendendoci tutti fotografi.

Fotografare atleti professionisti in azione è una sfida affascinante e emozionante. Richiede non solo una conoscenza approfondita della tecnica fotografica, ma anche una grande capacità di adattamento e una buona dose di avventura.
COOPH ci porta dietro le quinte di uno shooting sulle Alpi austriache di Moritz Ablinger, fotografo specializzato in sport estremi, mentre immortala due professionisti della mountain bike: Vali Höll e Peter Kaiser.

Il primo luogo scelto per lo shooting è una pista di downhill nella maestosa cornice alpina. Vali Höll, una giovane e talentuosa rider, si prepara a sfrecciare in discesa sulla sua mountain bike. La luce del sole che filtra attraverso gli alberi crea un'atmosfera suggestiva, mentre la polvere sollevata dalle ruote della bici aggiunge dinamicità alle fotografie. Ablinger sfrutta al meglio questi elementi naturali, combinandoli con la sua abilità tecnica per creare immagini mozzafiato.
Successivamente, il team si sposta in una seconda location, dove Peter Kaiser si esibisce in acrobazie e salti audaci.
Durante lo shooting, Ablinger mantiene una comunicazione costante con gli atleti, coordinando le loro mosse per ottenere gli scatti migliori. Questa collaborazione tra fotografo e rider è fondamentale per catturare l'energia e l'emozione del momento.

All'età di trent'anni, Lee Miller aveva vissuto più vite di quanto la maggior parte di noi riesca a fare in un'intera esistenza. Modella per Vogue, fotografa, amante e musa di Man Ray, fotoreporter e corrispondente di guerra, artista e infine cuoca gourmet.

Great Art Explained racconta la versatilità e l'eclettismo di Lee Miller sono state caratteristiche distintive della sua vita e carriera. Inizialmente, ha intrapreso la carriera di modella, catturando l'attenzione del mondo della moda con la sua bellezza e il suo stile unico. Tuttavia, il suo spirito creativo e la sua passione per l'arte l'hanno portata a spingersi oltre i confini del mero ruolo di modella.

La sua collaborazione con il celebre fotografo Man Ray ha avuto un impatto significativo sulla sua evoluzione artistica. Miller non solo è diventata sua musa e amante, ma ha anche imparato da lui le tecniche fotografiche sperimentali e innovative che l'hanno resa un'artista affermata. Ha contribuito a creare immagini iconiche dell'epoca, rompendo gli schemi convenzionali e sperimentando con l'arte della fotografia in modo audace e innovativo.
La sua carriera di fotoreporter e corrispondente di guerra testimonia il suo impegno per narrare storie attraverso le immagini. Durante la Seconda Guerra Mondiale, ha documentato la sofferenza e l'orrore del conflitto, catturando immagini che raccontano la realtà cruda e la drammaticità della guerra. La sua abilità nel cogliere l'essenza di un momento e nel trasmettere emozioni attraverso le sue fotografie l'ha resa una delle più importanti fotoreporter del suo tempo.

Mark Rothko e Hiroshi Sugimoto mostrano una sorprendente affinità concettuale. Entrambi gli artisti si immergono profondamente nell'astrazione e nell'esplorazione della percezione, creando opere che trascendono la loro forma fisica e possono suscitare negli spettatori profonde risposte emotive e filosofiche.
Rothko è famoso per le sue tele di grandi dimensioni ricoperte da campiture, mentre Sugimoto realizza fotografie apparentemente minimaliste che catturano la quiete dell'ambiente circostante.

Ted Forbes, di The Art of Photography, analizza come le pennellate di colore di Rothko e i paesaggi di Sugimoto, pur diversi nell'esecuzione, trascendono il mondo materiale per focalizzarsi sull'esperienza dell'osservatore.
L'approccio minimalista impiegato nelle loro opere dimostra una convinzione condivisa nel potere della semplicità di trasmettere idee ed emozioni complesse.

Insieme, Rothko e Sugimoto illustrano l'eterna ricerca nell'arte di suscitare un'esperienza emotiva nello spettatore. La loro eredità è definita dalla capacità di evocare il sublime attraverso la semplicità, incoraggiando gli osservatori a guardare oltre la superficie e ad aprirsi a una percezione più profonda.

La fotografia ha il potere di catturare momenti preziosi e di creare connessioni durature. Per Sam Abell, la sua esperienza vissuta ad Hagi, in Giappone, ha segnato un punto di svolta nella sua carriera e nella sua vita. È in questa città che ha trovato ispirazione e ha imparato a vedere il mondo attraverso l'obiettivo della sua macchina fotografica.
Fujifilm riporta Abell ad Hagi per riscopre il valore senza tempo e la bellezza della fotografia per presentare l'ultima incarnazione di una delle macchine fotografiche più iconiche della storia, la X100VI.

Sam Abell si immerge nuovamente nella città, esplorando i luoghi che hanno avuto un impatto significativo sulla sua visione artistica e ricorda i rapporti umani che ha stabilito nel corso degli anni come fotografo.
Ogni scatto può raccontare una storia e catturare l'essenza di una persona o di un luogo. Abell riflette sul potere e sulla profondità di queste connessioni, che vanno al di là dell'immagine stessa.
La fotografia non è solo un mezzo per catturare la realtà, ma può anche essere uno strumento per creare empatia e comprensione. Attraverso le sue immagini, Abell ha il potere di far sentire agli spettatori le emozioni e le esperienze delle persone che ritrae. Questo è ciò che rende la sua fotografia così significativa e preziosa.